Cannes 2025: Highest 2 Lowest e a teimosia de Spike Lee

A produção marca a quinta colaboração do diretor com Denzel Washington

Por Gabriel Amora
amoragabriel@ootimista.com.br

Ainda bem que Spike Lee é teimoso. Em 2013, sua tentativa de refilmar o aclamado Oldboy, sucesso do cinema sul-coreano dirigido por Park Chan-wook, acabou sendo mal recebida tanto pela crítica quanto pelo público. Mas, longe de se intimidar, Lee retornou com um projeto ainda mais ousado: revisitar o clássico absoluto do cinema japonês, “Céu e Inferno” (1963), de Akira Kurosawa. Diferente da experiência anterior, aqui o diretor consegue se apropriar da obra original, adaptando-a ao seu universo cinematográfico e atualizando a narrativa para os dias de hoje e para o contexto norte-americano, sem perder a essência que tornou o filme icônico.

O resultado é “Highest 2 Lowest”. A produção, diga-se de passagem, marca a quinta colaboração de Spike Lee com Denzel Washington, possivelmente a última dessa parceria que se tornou emblemática. Washington interpreta David King, magnata da indústria fonográfica, cuja vida é virada do avesso quando o filho de seu motorista, Paul (Jeffrey Wright), é sequestrado por engano no lugar de seu próprio filho. A situação obriga King a enfrentar um dilema moral profundo: pagar o resgate, colocando em risco sua gravadora e seus negócios, ou recusar, correndo o risco de colocar a vida do garoto em perigo e manchar sua reputação.

Dito isso, é preciso deixar claro que Spike Lee é, sem dúvidas, um dos cineastas mais singulares do cinema contemporâneo. Sua habilidade em transformar Nova York em personagem (uma metáfora viva de poder, desigualdade e vaidade) lembra o trabalho de Martin Scorsese, referência que o próprio Lee mencionou durante a coletiva no Festival de Cannes 2025. Porém, enquanto Scorsese imprime um olhar mais clássico e quase mítico, Lee injeta urgência e um nervo pulsante que mantém a obra viva e enérgica.

Absolute cinema

Em “Highest 2 Lowest”, Spike Lee conduz a narrativa com precisão quase cirúrgica: a montagem é ágil, os cortes acompanham o ritmo do jazz experimental e a paleta de cores intensifica a energia da trama. A ação é inventiva, os enquadramentos criativos e a investigação visual mantêm o público atento, enquanto o humor ácido e pontual equilibra a tensão, tornando a experiência envolvente e complexa.

Embora não tenha a abordagem política tão explícita de outros trabalhos do diretor, como “Infiltrado na Klan” ou “Destacamento Blood”, a crítica social permeia cada detalhe. Em uma das cenas mais impactantes, o sequestrador observa o arranha-céu do magnata a partir da rua, enquanto King, isolado em seu apartamento envidraçado, ignora as desigualdades que sustentam seu império. O contraste entre poder e realidade social é evidente: o abismo observa os ocupantes do topo enquanto eles permanecem alheios à base que os sustenta.

O longa também se destaca por sequências de ação engenhosas e visualmente inventivas, que exigem atenção constante do espectador. Mesmo quando a narrativa segue rumos previsíveis, a tensão permanece, estimulando o público a antecipar movimentos e questionar as escolhas de protagonistas e antagonistas, em um jogo de dilemas morais e estratégicos.

Por fim, os diálogos inteligentes e provocativos reforçam a dimensão ética da história. Denzel, movido pelo amor ao filho, pondera cada decisão pelo impacto sobre sua reputação e poder, transformando o dilema central em um espelho ético: até que ponto um pai está disposto a ir quando o preço é seu próprio domínio?

Essa combinação de ação e crítica social dá ao protagonista uma profundidade rara, tornando-o mais que um simples personagem. Sua presença na tela se sobressai, fortalecendo o impacto do filme e deixando uma marca duradoura, evidenciando por que Denzel Washington e Spike Lee formam uma das duplas mais memoráveis da história do cinema.